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Renascença italiana

Renascença italiana

No final do século 14 d.C., um punhado de pensadores italianos declarou que estava vivendo em uma nova era. A bárbara e não iluminada “Idade Média” havia acabado, diziam eles; a nova era seria uma “rinascità” (“renascimento”) de aprendizagem e literatura, arte e cultura. Este foi o nascimento do período agora conhecido como Renascimento. Durante séculos, os estudiosos concordaram que o Renascimento italiano (outra palavra para "renascimento") aconteceu exatamente assim: que entre o século 14 e o século 17, uma nova e moderna maneira de pensar sobre o mundo e o lugar do homem nele substituiu um velho e retrógrado. Na verdade, o Renascimento (na Itália e em outras partes da Europa) foi consideravelmente mais complicado do que isso: por um lado, em muitos aspectos, o período que chamamos de Renascimento não foi tão diferente da era que o precedeu. No entanto, muitas das realizações científicas, artísticas e culturais do chamado Renascimento compartilham temas comuns, mais notavelmente a crença humanística de que o homem é o centro de seu próprio universo.

O Renascimento Italiano em Contexto

A Itália do século XV era diferente de qualquer outro lugar da Europa. Foi dividida em cidades-estados independentes, cada uma com uma forma diferente de governo. Florença, onde começou o Renascimento italiano, era uma república independente. Foi também uma capital bancária e comercial e, depois de Londres e Constantinopla, a terceira maior cidade da Europa. Florentinos ricos ostentavam seu dinheiro e poder tornando-se patrocinadores ou apoiadores de artistas e intelectuais. Desta forma, a cidade tornou-se o centro cultural da Europa e do Renascimento.

O Novo Humanismo: Pedra Fundamental do Renascimento

Graças ao patrocínio dessas elites ricas, escritores e pensadores da era renascentista puderam passar seus dias fazendo exatamente isso. Em vez de se dedicarem a empregos comuns ou ao ascetismo do mosteiro, eles podiam desfrutar dos prazeres mundanos. Eles viajaram pela Itália, estudando ruínas antigas e redescobrindo textos gregos e romanos.

Para estudiosos e filósofos da Renascença, essas fontes clássicas da Grécia e da Roma antigas continham grande sabedoria. Seu secularismo, sua apreciação da beleza física e, especialmente, sua ênfase nas realizações e na expressão do homem formaram o princípio intelectual que rege o Renascimento italiano. Essa filosofia é conhecida como "humanismo".

Ciência e Tecnologia da Renascença

O humanismo encorajou as pessoas a serem curiosas e questionar a sabedoria recebida (particularmente a da Igreja medieval). Também encorajou as pessoas a usar a experimentação e a observação para resolver problemas terrestres. Como resultado, muitos intelectuais da Renascença se concentraram em tentar definir e compreender as leis da natureza e do mundo físico. Por exemplo, o artista renascentista Leonardo Da Vinci criou “estudos” científicos detalhados de objetos que variam de máquinas voadoras a submarinos. Ele também criou estudos pioneiros da anatomia humana. Da mesma forma, o cientista e matemático Galileo Galilei investigou uma lei natural após a outra. Ao jogar balas de canhão de diferentes tamanhos do topo de um prédio, por exemplo, ele provou que todos os objetos caem com a mesma taxa de aceleração. Ele também construiu um poderoso telescópio e o usou para mostrar que a Terra e outros planetas giravam em torno do Sol e não, como argumentaram as autoridades religiosas, o contrário. (Por isso, Galileu foi preso por heresia e ameaçado de tortura e morte, mas se recusou a se retratar: "Não acredito que o mesmo Deus que nos dotou de sentidos, razão e intelecto tenha pretendido que renunciássemos a seu uso", ele disse.)

No entanto, talvez o desenvolvimento tecnológico mais importante do Renascimento não tenha acontecido na Itália, mas na Alemanha, onde Johannes Gutenberg inventou a impressora mecânica do tipo móvel em meados do século XV. Pela primeira vez, foi possível tornar os livros - e, por extensão, o conhecimento - amplamente disponíveis.

Arte e arquitetura renascentista

"David" de Michelangelo. “A Última Ceia” de Leonardo da Vinci. “O Nascimento de Vênus” de Sandro Boticelli. Durante o Renascimento italiano, a arte estava em toda parte (basta olhar para "A Criação" de Michelangelo pintada no teto da Capela Sistina!). Patronos como a família Medici de Florença patrocinaram projetos grandes e pequenos, e artistas de sucesso se tornaram celebridades por seus próprios méritos.

Os artistas e arquitetos da Renascença aplicaram muitos princípios humanistas ao seu trabalho. Por exemplo, o arquiteto Filippo Brunelleschi aplicou os elementos da arquitetura romana clássica - formas, colunas e, especialmente, proporção - aos seus próprios edifícios. A magnífica cúpula de oito lados que ele construiu na catedral de Santa Maria del Fiore em Florença foi um triunfo da engenharia - tinha 144 pés de largura, pesava 37.000 toneladas e não tinha contrafortes para sustentá-la - além de estética.

Brunelleschi também desenvolveu uma maneira de desenhar e pintar usando perspectiva linear. Ou seja, ele descobriu como pintar da perspectiva da pessoa que está olhando para a pintura, de modo que o espaço parecesse recuar na moldura. Depois que o arquiteto Leon Battista Alberti explicou os princípios por trás da perspectiva linear em seu tratado “Della Pittura” (“Sobre a pintura”), ela se tornou um dos elementos mais notáveis ​​de quase toda a pintura renascentista. Mais tarde, muitos pintores começaram a usar uma técnica chamada claro-escuro para criar uma ilusão de espaço tridimensional em uma tela plana.

Fra Angelico, o pintor de afrescos da igreja e convento de San Marco em Florença, foi chamado de “um talento raro e perfeito” pelo pintor e arquiteto italiano Vasari em seu livro “Vidas dos Artistas”. Pintores renascentistas como Rafael, Ticiano e Giotto e escultores renascentistas como Donatello e Lorenzo Ghiberti criaram arte que inspiraria gerações de futuros artistas.

O Fim do Renascimento Italiano

No final do século 15, a Itália estava sendo dilacerada por uma guerra após a outra. Os reis da Inglaterra, França e Espanha, junto com o Papa e o Sacro Imperador Romano, lutaram pelo controle da rica península. Ao mesmo tempo, a Igreja Católica, ela própria assolada por escândalos e corrupção, deu início a uma violenta repressão aos dissidentes. Em 1545, o Concílio de Trento estabeleceu oficialmente a Inquisição Romana. Nesse clima, o humanismo era semelhante à heresia. O Renascimento italiano acabou.


The Italian Renaissance - Uma visão geral do teatro: A História do Teatro Italiano

O Renascimento italiano ocorreu de 1550 a 1700. O rápido crescimento econômico da Itália durante essa época possibilitou que os cidadãos mais ricos se entregassem a formas alternativas de entretenimento. Famílias ricas como os Medicis iniciaram um sistema de patrocínio, no qual financiariam artistas para produzir arte em muitas formas. O teatro italiano usou as peças do antigo teatro grego e romano (dramas), bem como o teatro medieval (peças religiosas) como base.

O principal estilo usado pelos grupos de teatro na Itália durante este período era chamado de commedia ou Commedia dell'Arte. A Commedia dell'Arte ou "a comédia dos artistas profissionais" era um dos pilares do teatro italiano durante seu renascimento. Isso incluía trechos de comédia interpretados por diferentes atores chamados lazzi. O tipo de comédia usado no Renascimento italiano era o que hoje é conhecido como pastelão ou farsa. Este era um estilo de comédia, que destacava a dor ou o infortúnio ocorrendo aos atores em um contexto humorístico.

Em sua maioria, os atores dessas comédias não usavam roteiros. Os atores receberam um enredo ou cenário e representaram esses enredos de forma humorística. Essas apresentações costumavam ser vulgares e obscenas. Padronizar personagens desenvolvidos e aparecendo em trajes familiares e usando máscaras.

Os padrões de caráter para Commedia incluíam estes contornos gerais:

- Pantalone: ​​Um velho ganancioso, comerciante ou tolo, muitas vezes lascivo, conivente e

- Dottore: um bêbado, frequentemente proffesor ou médico vestido com um boné e uma bata.

- Capitano: Um soldado que era fanfarrão e covarde.

- Inamorati: Jovens amantes que pareciam bastante normais em comparação com o resto de

- "zanni": servos tolos. Normalmente dois servos, um bêbado e

mais tolo do que sua coorte.

Os neoclássicos eram críticos rígidos do drama italiano. Eles desenvolveram regras para apresentações teatrais que sobreviveram por quase 200 anos na Europa. Afirma-se que esses mandatos foram derivados dos modelos gregos e romanos. Cinco conceitos centrais do neoclassicismo são os seguintes: verossimilhança, decoro, pureza de gêneros, as três unidades e dupla finalidade.

Verossimilhança - A busca da verdade. Uma tentativa de retratar o desempenho como uma interpretação razoável do que é real ou razoavelmente esperado na vida real.

Decoro - A maneira como os personagens de certas classes se comportaram de acordo com aquela classe. Idade, sexo, posição e profissão seriam representados como se os personagens estivessem na mesma posição. Um forte senso de certo e errado moral foi mantido, refletido pela punição do mal e a recompensa pelo bem.

Pureza de gêneros - Comédia e tragédia nunca foram misturadas. Os elementos de um gênero nunca deveriam ser intercalados com a performance de outro. O uso do coro, do deus ex machina e do solilóquio foi proibido.

As Três Unidades - O conceito da unidade de tempo, lugar e ação. A unidade de tempo exigia um tempo razoável para que a ação da jogada ocorresse geralmente não mais do que 24 horas. A unidade de lugar exigia que a peça não incluísse mais do que um lugar ou local. A unidade de ação exigia que não houvesse subtramas, parcelas secundárias ou contra-parcelas.

Dois propósitos - os dois propósitos das peças neoclássicas italianas eram ensinar e entreter.

A ópera é a única forma de teatro do renascimento italiano que ainda sobrevive até hoje. Foi desenvolvido no final dos anos 1500 em Florença. A ópera foi originalmente uma tentativa de recriar uma verdadeira tragédia grega. Observando a fusão grega de música e drama, os criadores da ópera tentaram, e conseguiram, produzir um diálogo totalmente cantado em suas interpretações. A ópera é uma forma de drama que cria seu humor, ações e personagens por meio da música

A primeira ópera registrada chama-se Dafne (1597). O texto da ópera foi escrito por, Ottavio Rinuccini (1562 - 1621). A música foi composta por Jacopo Peri (1561-1633). A ópera, que consistia em um prólogo e seis cenas, foi apresentada durante o carnaval pré-quaresmal do Palazzo Corsi.

A Camerata Fiorentina, uma academia de italianos ricos que estudavam o teatro grego e romano antigo, produziu Dafne.

A parte textual real da ópera é chamada de libreto. Um, dois, três ou quatro intérpretes podem cantar os libretos. Essas apresentações são chamadas de ária (solo), dueto, trio e quarteto, respectivamente. A exibição visual (intermezzo), junto com a excelência musical e performances fortes, mantém a ópera viva como uma forma de arte dramática poderosa.

Encenação, Cenário e Iluminação

O uso do desenho em perspectiva como meio de capturar cenários realistas era um tema comum entre os designers de palco do século XVI. A ilusão de profundidade foi alcançada por meio de técnicas de desenho em perspectiva usando "pontos de fuga" à medida que os objetos pareciam mais próximos do horizonte e eram pintados cada vez menores em seus cenários cênicos. Acredita-se que o primeiro uso dessa técnica tenha ocorrido em 1508, para uma apresentação de La Cassaria de Ariosto. Um importante autor e criador de cenários chamado Sebastion Serlio escreveu sobre essa técnica e outros métodos de design de cena em seu livro Architettura (1545). Diferentes tipos de cenários ilusionistas foram desenvolvidos para os três principais tipos de peças da época (cômico, pastoral e trágico).

Um prisma giratório de três lados chamado periaktoi foi desenvolvido para alternar entre diferentes configurações. Isso foi uma grande inovação para a época, já que o cenário podia ser mudado bem diante dos olhos do público. Outros avanços incluíram a moldura de proscênio e a cortina frontal, juntamente com várias máquinas voadoras (glórias) e outros efeitos especiais.

A iluminação dentro dos cinemas escuros da Itália renascentista também teve que ser tratada. Lâmpadas de óleo e velas eram a principal fonte de iluminação do palco. Embora velas e lâmpadas produzissem um pouco de fumaça, elas foram colocadas em lustres e na frente do palco. Colocar recipientes ou latas translúcidos sobre eles poderia diminuir a intensidade das velas quando níveis mais baixos de luz fossem necessários. Devido ao tamanho e à falta de iluminação suficiente dos teatros, a iluminação artificial era uma necessidade sempre presente.


Renascença inicial

Durante o início da Renascença, os artistas começaram a rejeitar o estilo bizantino de pintura religiosa e se esforçaram para criar realismo em sua representação da forma e do espaço humanos. Esse objetivo em direção ao realismo começou com Cimabue e Giotto, e atingiu seu auge na arte dos artistas & # 8220Perfect & # 8221, como Andrea Mantegna e Paolo Uccello, que criaram obras que empregavam uma perspectiva de ponto e jogavam com perspectiva para seus educados, visualizador com conhecimento de arte.

Durante o início da Renascença, também observamos desenvolvimentos importantes no assunto, além do estilo. Embora a religião tenha sido um elemento importante na vida diária das pessoas que viveram durante a Renascença e permaneceu um fator impulsionador da produção artística, também vemos uma nova avenida aberta para a respiração ofegante - o tema mitológico. Muitos estudiosos apontam para Botticelli & # 8217s Nascimento de Vênus como a primeira pintura de painel de uma cena mitológica. Embora a própria tradição provavelmente tenha surgido da pintura cassone, que normalmente apresentava cenas da mitologia e textos românticos, o desenvolvimento da pintura mitológica em painel abriria um mundo para o patrocínio, produção e temas artísticos.

Nascimento de VênusO nascimento de Vênus, de Botticelli & # 8217s, foi uma das obras mais importantes do início da Renascença.


O Renascimento do Classicismo

Graças ao humanismo, os italianos da era renascentista começaram a apreciar mais uma vez seus grego clássico e romano patrimônio em todas as suas formas. A palavra & # 8220renascimento & # 8221 significa renascimento & # 8211 neste caso, o renascimento da tradição antiga. Embora a Renascença italiana ainda fosse uma era profundamente religiosa, as pessoas ficaram mais confortáveis ​​com a ideia de que o passado clássico pagão poderia coexistir com o Cristianismo. Enquanto seus compatriotas abraçavam o passado clássico, os artistas italianos estudaram de perto as estátuas clássicas que estavam sendo escavadas em Roma. O mito clássico e a história tornaram-se temas populares para os artistas da Renascença, como pode ser visto em Raphael & # 8217s A escola de Atenas.

Se você gosta de arte grega e romana, a arte renascentista italiana pode parecer muito familiar para você. Isso ocorre porque os artistas renascentistas costumam incorporar poses e composições de obras de arte clássicas em suas próprias peças. Os intelectuais da Renascença acreditavam que os antigos já haviam criado as soluções perfeitas para todos os problemas, portanto, citar os mestres clássicos era uma estratégia popular.

Essas citações visuais e literárias podiam ser bastante sofisticadas e algumas eram legíveis apenas para os instruídos. Este complexo simbolismo e assunto ajudou a elevar o status dos artistas e # 8217 de meros artesãos a intelectuais respeitados.

Ticiano, Vênus de Urbino, 1538, Galeria Uffizi, Florença, Itália.


Renascença italiana - HISTÓRIA

A nova visão de mundo do Renascimento deveu muito a dois pensadores e escritores inovadores: Santo Tomás de Aquino e Petrarca.

São Tomás de Aquino (1225-1274) que desenvolveu o conceito de teologia natural: teologia baseada na razão e na experiência. Ele trouxe a doutrina cristã e a lógica aristotélica em um sistema intelectual sincrético. Ao investigar a natureza da natureza, ele lançou as bases da revolução científica. Mas lembre-se, ele não estava sugerindo que a natureza era outra coisa, mas criada por Deus.

Durante os séculos 15 e 16, o jardim evoluiu ao lado de muitas outras formas de arte e ciências, e os exemplos sobreviventes, que influenciaram os designers de jardins ao longo dos séculos, são monumentos à habilidade dos designers de jardins inovadores, escultores e engenheiros que os construíram.

Hoje, no entanto, os jardins tendem a ser vistos apenas em termos de belas estátuas, fantásticas obras de água e grandes árvores perenes. Isso está longe de ser toda a história, mas para entender esses jardins, é essencial entrar na mente da Renascença, que via o mundo como hierárquico, mas com cada parte inter-relacionada.

Colocando de forma simplista, o novo relacionamento entre o humano e o divino era mais ou menos assim. No topo estava Deus, que criou o Homem e a Natureza. O homem percebeu o mundo natural em termos de sua utilidade para suas necessidades: plantas e animais forneciam remédios, alimentos e roupas. No entanto, ao mesmo tempo, a Natureza era parte do cosmos divinamente criado e, portanto, compreender a Natureza era compreender melhor a Deus.

Essa interação era especialmente sutil e complexa no jardim, onde arte e natureza estavam unidas em um todo indistinguível. Juntos, eles produziram algo que não é nem um nem outro e é criado igualmente por ambos. Infelizmente, como as características de plantio e perecíveis desapareceram, muitos jardins renascentistas que sobreviveram perderam muito de seu simbolismo original. Mas é possível & # 8216recriar & # 8217 eles.


4. Tempietto del Bramante

Tempietto del Bramante (Crédito: Peter1936F / CC).

O pequeno e redondo templo de Donato Bramante fica dentro do pátio da igreja de San Pietro in Montorio, em Roma, no local onde São Pedro foi crucificado.

Uma pequena tumba comemorativa, a Tempietto ("Pequeno templo") é considerado uma obra-prima da arquitetura italiana da Alta Renascença e considerado o protótipo da Basílica de São Pedro.


Cultura da Renascença na Itália

Embora as origens do movimento tenham se confinado principalmente aos esforços intelectuais e culturais do século 14, muitos aspectos da sociedade e da cultura da Itália permaneceram medievais. Essas melhorias foram bastante concentradas na elite do país, a vida para a maioria dos italianos permaneceu inalterada desde a idade média.

Siena & # 8211 Santa Maria della Scala & # 8211 Care of the Sick por Domenico di Bartolo
Foto cedida por Eugene_a / Wikimedia

No entanto, as coisas começaram a mudar para melhor, à medida que a vida na cidade italiana florescia. Os séculos da Renascença viram as principais cidades italianas transformarem-se de escuras cidades medievais de madeira em brilhantes cidades de mármore. As habitações começaram a ser concebidas de forma diferente à medida que a vida na cidade emergia dos pátios e para as ruas e praças públicas.

Casamento e vida familiar na Renascença

Os casamentos na Itália renascentista levaram os costumes da Itália medieval a outro nível, já que até mesmo as famílias mais pobres tentavam imitar os ricos. Até mesmo uma empregada camponesa precisaria fornecer um dote robusto para atrair outra família a oferecer seu filho.

Os conceitos modernos de casamento como um ato de amor estavam apenas começando e os casamentos da época eram mais um contrato social entre duas famílias. No entanto, eles ainda eram um momento de celebração alegre, e os convidados geralmente esperavam ser bem alimentados e entretidos. Antes do Concílio de Trento, os casamentos eram presididos por um magistrado e não por um padre, de acordo com a lei civil de base romana.

Santo Antônio distribuindo aos pobres

As mulheres na Renascença começaram a ter um papel maior na vida social, embora seu papel de zeladoras da casa e dos filhos permanecesse inalterado. A razão para o casamento ainda era gerar filhos, e as esposas esperavam que os meninos se tornassem jovens saudáveis ​​e educados. Era caro criar filhas, devido à necessidade de dar um dote, o que poderia levar famílias de classe baixa à falência.

No entanto, ao contrário da Idade Média, as mulheres italianas da Renascença tinham muito mais liberdade de movimento, esperava-se que tivessem vontade própria e fossem capazes de formar uma opinião. Embora não pudessem exercer o poder diretamente, as mulheres poderosas da Renascença eram muitas vezes o chamado "poder por trás do trono".

Comida na Renascença

A culinária e os hábitos alimentares do Renascimento italiano foram o início de muitos de nossos conceitos modernos de comida. Os banquetes suntuosos e os pratos elaborados da época ainda tinham mais a ver com a Idade Média, onde os clientes ricos costumavam comer aos pares, compartilhando utensílios e jogando o lixo no chão para os cães. A comida mudou muito pouco para as classes mais baixas da Renascença, que ainda dependiam de pão preto claro, feijão, macarrão ou polenta de trigo sarraceno.

Enquanto isso, os ricos italianos da Renascença, especialmente a família Medici, começariam a romper com as antigas tradições alimentares e criar o que pode ser a base da cozinha gourmet moderna. Eles começaram a incorporar ingredientes do novo mundo, como batatas e pimentões, e também introduziriam um novo utensílio na mesa, chamado garfo.

Cristo na Coluna (1480-1490) & # 8211 Donato Bramante & # 8211 Pinacoteca Brera, Milão
Foto cedida por Red_devil_666 / Wikimedia

Forks foi vista pela primeira vez na Itália durante a visita de uma princesa bizantina a Veneza e foi originalmente desaprovada pela igreja. Os ricos também começaram a fazer suas refeições em pratos de madeira, metal e, mais tarde, porcelana fina, em vez de pão duro (uma trincheira) como os pobres. Naturalmente, a elite tinha acesso a ingredientes mais finos e temperos exóticos para fazer suas refeições, mas o povo da Itália durante a Renascença comia muitos dos mesmos alimentos, incluindo macarrão e polenta.

Festivais da época do Renascimento na Itália

A Renascença foi uma época de ouro de pompa e celebração, enquanto os ricos tentavam superar uns aos outros em exibições públicas. Os motivos eram variados, as celebrações religiosas ou seculares eram realizadas com igual entusiasmo, como se a Renascença estivesse tentando esquecer os tempos muitas vezes sombrios da Itália medieval. Esses eventos também eram épocas em que ricos e pobres se misturavam com bastante liberdade, as procissões podiam incluir todos os estratos sociais, desde o Papa até um mendigo.

À medida que o tempo dos cavaleiros no campo de batalha terminava com o lúcio e a pólvora, suas habilidades com a lança tornaram-se cada vez mais populares como esporte. Jousting era muito popular como esporte para espectadores em toda a Itália renascentista e vários outros jogos públicos, corridas de cavalos e até touradas levavam as pessoas às grandes praças públicas das cidades italianas.

Conquistas na Renascença italiana

Italiano Literatura

A era do Renascimento na Itália é famosa principalmente por causa das várias conquistas na arte e na cultura. Muitos poetas famosos pertenceram a esta época como Ludovico Ariosto, Poliziano, Marsilio Ficino, Matteo Maria Boriardo e Luigi Pulci. Os escritores e poetas italianos deram várias contribuições ao mundo da literatura durante esse período.

Italiano Belas Artesé na Renascença

A ideia de que a Renascença foi um renascimento ou redescoberta é melhor exemplificada pela maneira como seus maiores artistas usaram as obras da Grécia e da Roma antigas como base. Nas artes plásticas da época, as obras-primas de pedra, bronze e tinta continuam sendo algumas das maiores realizações humanas.

Nomes como Leonardo, Michelangelo, Raphael, Donatello e Botticelli são nomes familiares séculos depois de suas mortes. Nossos conceitos modernos de beleza artística ainda são, de muitas maneiras, definidos pelas conquistas desta era. Eles tiraram muito dos antigos - a arte da Renascença também foi fortemente influenciada pela Igreja Católica, criando algo único para aquele lugar e época em particular.

Renascimento Arquitetura

Embora o Renascimento italiano ainda tivesse muito em comum com os tempos anteriores na Europa, também começou muito do que ainda encontramos em nosso mundo moderno. Muitas conquistas da Renascença foram superadas e outras ainda permanecem intocáveis. O David de Michelangelo e a Mona Lisa de Leonardo talvez sejam admirados ainda mais hoje do que quando foram criados, séculos atrás.


I Estudos Tatti na História da Renascença Italiana

Publicada em conjunto com o Centro da Universidade Harvard para Estudos da Renascença Italiana em Villa I Tatti, esta série representa a bolsa de estudos da mais alta qualidade a respeito da história da Renascença italiana dos séculos XIII a XVII. Dentro dessa ampla definição cronológica, a série publica de dois a três volumes por ano. Nicholas Terpstra é o Editor Geral.

Abaixo está uma lista de trabalhos impressos nesta coleção, apresentados em ordem de série ou ordem de publicação, conforme aplicável.

Um dos principais humanistas do Quattrocento na Itália, Lorenzo Valla (1406 & ndash1457) foi elogiado como um desmascarador brilhante da filosofia escolástica medieval. Neste livro Lodi Nauta busca uma avaliação mais equilibrada, apresentando-nos com a primeira análise abrangente da tentativa humanista de reforma radical da escolástica aristotélica.

Alison Brown demonstra como os pensadores florentinos usaram Lucrécio & mdash mais cedo e mais amplamente do que se supôs & mdash para fornecer uma crítica radical das ortodoxias prevalecentes. Ela aprimora nossa compreensão da & ldquorevolution & rdquo no pensamento político do século XVI e nossa definição da Renascença em mundos recém-descobertos e novas redes sociais.

Esta micro-história inovadora de uma cidade fascinante, porém negligenciada, mostra como sua lealdade a Veneza foi testada por ataque militar, crise econômica e colapso demográfico. Apesar dessas provações, Brescia experimentou um renascimento cultural e transformação política, que Stephen Bowd usa para explicar a formação do Estado em uma poderosa região da Itália renascentista.

Leonardo Bruni é amplamente reconhecido como o historiador humanista mais importante do início da Renascença. Gary Ianziti empreende uma investigação sistemática por obra de toda a gama de produção de Bruni & rsquos na história e na biografia e avalia em detalhes o impacto dos historiadores gregos nos métodos humanistas de escrita histórica.

O duque e as estrelas explora a ciência e a medicina estudadas e praticadas na Itália do século XV, incluindo como a astrologia era ensinada em relação à astronomia. Ele ilustra como a & ldquopredictive art & rdquo da astrologia costumava ser uma fonte de informação crítica e secreta para os governantes da Renascença italiana, especialmente em tempos de crise.

Os debates do Renascimento sobre política e gênero levaram a formas pioneiras de assistência aos pobres, concebidas para ajudar as mulheres a começar na vida. Isso incluía orfanatos para filhos ilegítimos e trabalho forçado em casas de correção, mas também abrigos para mulheres e rsquos e formas precoces de benefícios de maternidade, seguro-desemprego, vale-refeição e planos de poupança para cooperativas de crédito.

Em 1482, Francesco Berlinghieri produziu o Geographia, um livro de mais de 100 folhas de fólio que descreve o mundo em versos italianos intercalados com mapas ricamente gravados. Roberts demonstra que o Geographia representa o momento de transição entre a cultura de impressão e manuscrito, enquanto forma uma base crítica para o surgimento da cartografia moderna.

Os sermões italianos contam uma história da Reforma que credita aos pregadores o uso do púlpito, da caneta e da imprensa para manter a Itália católica quando a região e violentas guerras religiosas tornaram o futuro incerto e com a formação de um catolicismo pós-Reforma que sobreviveria à competição e escolha religiosa do seu próprio tempo e do nosso.

No século XVI, a cidade-estado de Florença faliu. Em seu lugar, os Médicis criaram um principado, tornando-se os primeiros duques de Florença e, em seguida, grão-duques da Toscana. O fruto da liberdade analisa as lentas transformações que antecederam e facilitaram a mudança institucional da república ao principado, do cidadão ao súdito.

Carter, Tim
Goldthwaite, Richard A.

Este registro dos amplos investimentos e atividades do músico florentino Jacopo Peri & rsquos no mercado permite o primeiro relato detalhado da economia florentina no final do século XVI e início do século XVII, e abre uma perspectiva completamente nova em um dos principais centros de capitalismo da Europa.

Na primeira metade do século XV, Roma e a corte papal ficaram presas entre realidades conflitantes - entre a Idade Média e a Renascença, conciliarismo e papalismo, uma imagem de uma república restaurada e um sonho de uma capital papal. Elizabeth McCahill explora a transformação do antigo legado de Roma em um poderoso mito cultural.

Ao explicar uma ligação improvável e suas consequências, A Mattress Maker & rsquos Daughter explora a mudança de conceitos de amor e romance, novos padrões de conduta pública e privada e atitudes emergentes em relação à propriedade e legitimidade, assim como a era do humanismo renascentista dá lugar à contra-reforma e ao início da Europa moderna.

Desfazendo o mito de que a política florentina oferecia apenas lições negativas, Mark Jurdjevic mostra que aspectos significativos do pensamento político de Maquiavel foram inspirados em sua cidade natal. O desprezo de Maquiavel pelas deficiências de Florença era uma função direta de sua considerável avaliação do potencial político não realizado da cidade.

Cosimo dei Medici estabilizou as finanças ducais, garantiu suas fronteiras, dobrou seu território, atraiu estudiosos e artistas para sua corte, academia e universidades, e dissipou a turbulenta política florentina. Esses triunfos estavam longe de uma conclusão precipitada, como Gregory Murry mostra neste estudo como Cosimo elaborou sua imagem como um monarca sagrado.

Usando quatro momentos notórios na vida do duque Vincenzo Gonzaga de Mântua, Valeria Finucci explora a mudança dos primeiros conceitos modernos de sexualidade, reprodução, beleza e envelhecimento. Ela habilmente casa contos obscenos com análise histórica para contar uma história mais ampla de obsessões e ajustes culturais da Renascença italiana.

Ada Palmer explora como poetas e filólogos da Renascença, não cientistas, resgataram Lucrécio e sua teoria do atomismo. Essa heterodoxia circulou no mundo pré-moderno, não no palco conspícuo de julgamentos de heresia e debates públicos, mas nas salas de aula, bibliotecas, estudos e livrarias onde estudiosos silenciosos encontraram ideias transformadoras.

Meredith Ray mostra que as mulheres estavam na vanguarda da cultura empírica durante a Revolução Científica. Experimentaram medicina e alquimia em casa e na corte, debateram descobertas cosmológicas em salões e academias e, em seus escritos, usaram seus conhecimentos de filosofia natural para defender a igualdade intelectual das mulheres com os homens.

Revelando um Renascimento italiano além de Michelangelo e os Medici, Sarah Gwyneth Ross recupera as experiências de pessoas comuns que foram inspiradas a buscar o aprendizado humanístico. Os médicos freqüentemente eram os profissionais mais ávidos, buscando ganhar o respeito de seus superiores, promover sua família e assegurar uma lembrança honrosa após a morte.

Dag Nikolaus Hasse mostra como motivos ideológicos e científicos levaram ao declínio das tradições árabes na cultura europeia. The Renaissance was a turning point: on the one hand, Arabic scientific traditions reached their peak of influence in Europe on the other, during this period the West began to forget, or suppress, its debt to Arabic culture.

Roisin Cossar examines how clerics managed efforts to reform their domestic lives in the decades after the Black Death. Despite reformers&rsquo desire for clerics to remain celibate, clerical households resembled those of the laity, and priests&rsquo lives included apprenticeships in youth, fatherhood in middle age, and reliance on their families in old age.

Unn Falkeid considers the work of six fourteenth-century writers who waged literary war against the Avignon papacy&rsquos increasing claims of supremacy over secular rulers&mdasha conflict that engaged contemporary critics from every corner of Europe. She illuminates arguments put forth by Dante, Petrarch, William of Ockham, Catherine of Siena, and others.

Giannozzo Manetti was one of the most remarkable figures of the Italian Renaissance, though today his works are unfamiliar in English. In this authoritative biography, the first ever in English, David Marsh guides readers through the vast range of Manetti&rsquos writings, which epitomized the new humanist scholarship of the Quattrocento.

Salomone da Sesso was a virtuoso goldsmith in Renaissance Italy. Brought down by a sex scandal, he saved his skin by converting to Catholicism. Tamar Herzig explores Salamone&rsquos world&mdashhis Jewish upbringing, his craft and patrons, and homosexuality. In his struggle for rehabilitation, we see how precarious and contested was the meaning of conversion.

In Renaissance Italy women from all walks of life played a central role in health care and the early development of medical science. Observing that the frontlines of care are often found in the household and other spaces thought of as female, Sharon Strocchia encourages us to rethink women&rsquos place in the history of medicine.

John Christopoulos provides a comprehensive account of abortion in early modern Italy. Bringing together medical, religious, and legal perspectives, he explores the meanings of a practice that was officially banned yet widely practiced and generally tolerated, demonstrating that Italy was hardly a haven for Catholic anti-abortion absolutism.

In 1499, Milan was an independent state with a stable government. But over the next thirty years, it descended into chaos amid the Italian Wars. John Gagné details Milan&rsquos social and political breakdown. The Renaissance may have been the cradle of the modern nation-state, but it was also a time when sophisticated sovereigns collapsed.

Lorenz Böninger tells the story of Niccolò di Lorenzo della Magna, a major printer of Renaissance Italy. Niccolò&rsquos hitherto mysterious life and career provide unparalleled insight into the business of printing in its earliest years, illuminating the economic, legal, and intellectual forces that surrounded the publication and dissemination of texts.

Guido Ruggiero brings readers back to Renaissance Florence, capturing how the Decameron sounded to fourteenth-century ears. Giovanni Boccaccio&rsquos masterpiece of love, sex, loyalty, and betrayal resonated amid the Black Death and the era&rsquos convulsive political change, reimagining truth and virtue in a moment both desperate and full of potential.

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Nobles of the Italian City-States

At the same time that humanism was taking shape as an intellectual movement, central and northern Italy saw the rise of the city-states. The political situation in these Italian regions would play an equally important role in the growth of the Renaissance. The Italian city-states were often fiercely independent, and a strong sense of rivalry developed amongst them. Additionally, these city-states were normally led by new noble families, i.e. those that had risen to power not long ago.

One of the most notable of these new nobilities is the Medici family, which ruled over Florence for much of the period between the 15 th and 18 th centuries. The Medicis were originally peasants from Tuscany, and they trace their roots to the village of Cafaggiolo in the Mugello, the valley of the Sieve, north of Florence. Some of these villagers emigrated to Florence, due to the opportunities afforded by commerce, and grew rich.

Renaissance artwork of the Virgin and Child with St Anne and members of the Medici family as saints. (Giovanni Maria Butteri / Public domain )

The Medicis too obtained their wealth by these means, though they were not amongst the leading families. After 1340, however, many of these powerful families were forced into bankruptcy, as a consequence of an economic depression in Europe. Furthermore, around the same time, Europe was struck by the black death, which reached its peak between the 1340s and 1350s. The Medici family managed to survive these disasters, and even seized the opportunity to advance their position in Florentine society. Amongst the most famous members of the Medici family were Cosimo de’ Medici, Lorenzo de’ Medici, and Catherine de’ Medici.

The Medicis, as well as other noble families of the Italian city-states, needed to legitimize their new social and political status, and were keen to display their wealth. As these nobles were also heavily influenced by humanism, they decided to do this through the arts and culture. Thus, these powerful families became important patrons of the arts, and it was their great wealth that funded the Renaissance. As humanists, the Italian nobles had no qualms in drawing inspiration from both the pagan classical world, as well as from Christianity. Whilst the former allowed these nobles to link themselves with the lost glories of ancient Greece and Rome, the latter displayed their piety. Thus, the works of art of the Renaissance had both paganism and Christianity as their subject matter. For instance, at the same time Raphael was painting The School of Athens , Michelangelo was painting the ceiling of the Sistine Chapel , both are considered some of the best Renaissance artworks to be completed by two of the most influential artists.

The School of Athens by Raphael (‘Stanze di Raffaello’) in the Apostolic Palace in the Vatican. (Raphael / Public domain )

The generous patronage of these Italian noble families resulted in the rise of many distinguished artists, whose works are still admired even today. Some of the most prominent of these Renaissance artists were Leonardo da Vinci, Michelangelo, and Raphael, all of whom were patronized by the Medicis at some point of time in their careers. In the case of Raphael, he did not work under the Medicis in Florence, as they were in exile for much of Raphael’s life. Instead, he received patronage in Rome from Pope Leo X, who was himself a member of the Medici family.

Although the Renaissance began in Florence, it spread to other Italian city-states as well, including Venice, Genoa, Milan, and Bologna. The Renaissance even arrived in Rome itself during the early 15 th century, thanks to a series of popes collectively known as the ‘Renaissance Papacy’. Although most of the popes from this period were morally bankrupt, they invested heavily in the arts and architecture of Rome, as they saw it as a way to increase the prestige of the Eternal City. The rebuilding of St Peter’s Basilica, for instance, began in 1506, during the reign of Pope Julius II (who, incidentally, chose his papal name in honor of Julius Caesar, and is nicknamed the ‘Warrior Pope’), whilst the Sistine Chapel was painted during the papacies of Sixtus IV, Julius II, Clement VII, and Paul III.

Michelangelo’s painting of the Sistine Chapel ceiling in the Vatican. ( Sergii Figurnyi / Adobe stock)


“Beauty Adorns Virtue”: Italian Renaissance Fashion

A round 1474-8 Leonardo da Vinci painted his iconic portrait of the Florentine noblewoman Ginevra de’Benci (Fig. 1a). The front panel displays the aristocrat’s face, while the back uses flora to represent her personality. The two sides blend together, creating a full picture of Ginevra de’Benci. The sitter wears a brown kirtle laced with blue ribbon, and a halo of tight ringlets surrounds her face. The obverse side of the portrait (Fig. 1b) proclaims Ginevra’s literary intellect with a laurel leaf, which intersects with a palm frond (a typical attribute carried by martyred saints) to suggest her strong moral character. Both symbolic branches encircle a sprig of juniper, a pun on the sitter’s given name. A banner of trompe-l’oeil paper intertwines all three plants, displaying a Latin motto: “VIRTVTEM FORMA DECORAT,” or “Beauty adorns virtue (Brown, 64).” Ginevra de’Benci is unique within Renaissance female portraiture due to its focus on the sitter’s individuality. However, the painted words “Beauty adorns virtue” reverberate across nearly all portraits of women from the period. Renaissance women were expected to use lavish clothing, jewelry, accessories, and cosmetics to adhere to contemporary beauty standards. However, Renaissance beauty was not skin deep. In order to be considered beautiful (and fashionable), an early modern woman must also be virtuous.

Fig. 1 - Leonardo da Vinci (Florentine, 1452-1519). Ginevra de' Benci, ca. 1474/1478. Oil on panel 38.1 x 37 cm (15 x 14 9/16 in). Washington: National Gallery of Art, 1967.6.1.a. Ailsa Mellon Bruce Fund. Source: NGA

Fig. 1 - Leonardo da Vinci (Florentine, 1452-1519). Wreath of Laurel, Palm, and Juniper with a Scroll inscribed Virtutem Forma Decorat, ca. 1474/1478. Washington: NGA. Source: NGA

During the Renaissance, creating textiles was extremely expensive and time-consuming, so clothing was often recycled. If a dress was torn, stained, or became too small for its wearer, it would be cut, re-stitched, and reused as a seat cushion cover, for example, or clothing for children. Further, fabric decays quickly relative to other materials. As a result, there are very few full ensembles surviving from the Renaissance. Because pieces of clothing (and complete outfits) are so scarce, we must instead rely on pictorial media to understand what Renaissance peoples considered fashionable. While paintings are not always perfect mirrors of the past, they give us the best available estimation. Italy was a fashion forerunner at the time, and as such Italian portraiture helps us understand what people wore in the fifteenth and sixteenth centuries.

Men’s dress

F ashion trends in this period were generally set by the aristocracy and upper-classes. A patrician closet relied on a vast network of tailors, dressmakers, purse-makers, metalsmiths, furriers, embroiderers, lace-makers, and leather-workers to stay abreast of the latest trends. Courts would often employ private fashion designers to clothe the royal family. A wall fresco of Ludovico Gonzaga and his Family and Court (Fig. 2) painted by Andrea Mantegna between 1465-74 elucidates what men wore in fifteenth-century Italian courtly circles. Men’s clothing in this period enjoyed a wide range of colors. The courtiers wear red, blue, gold, pink, or green belted tunics. They all sport red circle-brimmed caps. Men’s hemlines in the fifteenth century ended above the knee to show off two-tone hose. As the period advanced, men’s hemlines ascended higher and higher up stockinged legs, ultimately culminating in the need for the codpiece in the mid-to-late sixteenth century.

Fig. 2 - Andrea Mantegna (Italian, 1431-1506). The Court of Gonzaga, ca. 1465-1474. Walnut oil on plaster 805 x 807 cm (316.9 x 317.7 in). Mantua: Ducal Palace. Source: Wikimedia

This scene also gives insight into the ways clothing signaled authority and social connection in the fifteenth century. The men in the image all wear one white and one reddish stocking because this marks them as servants or household members of Ludovico Gonzaga’s (sitting on the far-right side of the fresco, wearing an off-red robe) Mantuan court. The ruler has marked his courtiers with his house colors. This helped visually identify men who had sworn fealty to Mantua, and promoted tonal unity in public settings. Clothes were also often used as payment for services rendered. Clothing, therefore, was a central facet of both politics and economic stability.

In the sixteenth century, men’s fashions turned towards darker, more somber hues in their fabrics. Baldassare Castiglione, writer of a popular book on etiquette, The Courtier (published 1528), tells upper-class men how to dress. Castiglione insists he:

“…would like our courtier always to appear neat and refined and to observe a certain modest elegance, though he should avoid being effeminate or foppish in his attire and not exaggerate one feature more than another.” (164)

Sixteenth-century men dressed down to display seriousness and sobriety. Men’s tunics, jackets, and stockings were generally tailored from black or dark brown luxury fabrics like velvet or silk. Women’s clothing, however, offered more complexity and variety throughout the Renaissance.

Fig. 3 - Fra Filippo Lippi (Italian, 1406-1469). Portrait of a woman, 1445. Oil on poplar panel 49.5 x 32.9 cm. Berlin: Gemäldegalerie, Ident.Nr. 1700. Source: Gemäldegalerie

Fig. 4 - Domenico Ghirlandaio (Domenico Bigordi) (Florentine, 1449-1494). Portrait of Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, 1489-1490. Mixed media on panel 77 x 49 cm. Madrid: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Inv. não. 158 (1935.6). Source: Thyssen-Bornemisza

Fifteenth-century women’s dress

F ra Filipo Lippi’s Portrait of a woman (Fig. 3), painted around 1445 is a touchstone for fifteenth-century female beauty and dress. The unknown sitter’s lips and cheeks have been lightly rouged with cosmetics to highlight her youthful glow. Her fair complexion, bright eyes, rosy lips, and blonde, expertly-coiffed hair all refer to a popular fictional late Medieval lady, Laura. Petrarch describes his muse, Laura, in his humanist poetry collection Il Canzoniere or song book. Laura is also portrayed as perfectly virtuous and chaste in Petrarch’s poems, which enhances her unearthly beauty. This book was so popular in Renaissance Italy it inflected beauty standards thanks to Petrarch’s ladylove, early modern gentlemen preferred blondes. Even Christ’s mother, Mary, is depicted with golden hair in most period paintings. Women dyed their hair to achieve the desired tone. o Trotula, a twelfth-century text on women’s medicine, advises:

“For coloring the hair so that it is golden. Take the exterior shell of a walnut and the bark of the tree itself, and cook them in water, and with this water mix alum and oak apples, and with these mixed things you will smear the head (having first washed it) placing upon the hair leaves and tying them with strings for two days you will be able to color [the hair]. And comb the head so that whatever adheres to the hair as excess comes off. Then place a coloring which is made from oriental crocus, dragon’s blood, and henna (whose larger part has been mixed with a decoction of brazil wood) and thus let the woman remain for three days, and on the fourth day let her be washed with hot water, and never will [this coloring] be removed easily.” (Green 115)

Notice also that the hairline in Portrait of a woman is unnatural. Fifteenth-century women often plucked or shaved their hairline back several inches, towards the illusion of a lengthy forehead, a sign of intelligence. She has severely tweezed her eyebrows to complete the effect.

The dress style in Portrait of a woman is typically fifteenth-century. Fashionable gowns positioned female waistlines above the hips, accentuated the waist with a belt or girdle, and generously poured uninterrupted volumes of fabric towards the feet (Landini and Bulgarella 90). These gowns, which are referred to in period inventories as a gonna, gonnella, sottana, gamurra, ou cotta interchangeably, could be hemmed at the ankles or floor. A wealthy early modern woman wore at least three—often four—complete layers of clothing in public. On special occasions a woman would wear another gown atop the gamurra called a giornea, usually patterned and made of velvet or silk brocade. The unknown figure in Portrait of a woman wears a green gamurra, enquanto Giovanna da Tornabuoni (Fig. 4) wears both layers in her portrait. A woman’s exterior-most gown was the most expensive and ostentatious, as it faced the evaluating world (Frick 162). An outer garment alone could require eight braccia, or a little over five yards (4.5 meters) of fabric. Beneath their sumptuous gowns, women typically wore a chemise or camicia (Fig. 5), an undershirt that pressed directly against the skin. The white fabric peeking out from under the larger, green sleeve worn by Lippi’s sitter is an example. Between the camicia e gamurra women usually wore another over-dress. An upper-class woman’s clothing was thick, voluminous, and dense.

Fig. 5 - Maker unknown (Italian). Camicia or chemise (shirt), 16th century. Linen, silk and metal thread. New York: The Metropolitan Museum of Art, 10.124.2. Rogers Fund, 1910. Source: The Met

Fig. 6 - Maker unknown (Italian). Belt or girdle with a woven love poem, 16th century. Tapestry weave band with silk and metal thread 167.6 x 6.4 cm (66 x 2.5 in). New York: The Metropolitan Museum of Art, 46.156.73. Fletcher Fund, 1946. Source: The Met

While the ensemble in Portrait of a woman may seem simple at first glance, it is in fact very lavish when considered within the context of the fifteenth century. Her overgown is dyed a vibrant shade of green, as bright jewel-tones were very popular for women’s clothing during the Renaissance. Pleats begin just below the breasts and expand at her waistline. Her long sleeves are a symbol of wealth and status, as the extra fabric hinders manual labor. Her skirts bunch and spring from her waist. Neckline and sleeves are lined with a thick fabric, perhaps muslin or even fur. Small, decorative holes are bored into her belt and undershirt. A strand of identical pearls hangs from her neck. Though the sitter’s hair is covered, viewers can assume it is arranged in a complex up-do. Two types of lace make up the headdress, one porous with seamed holes. A sheer lace veil sweeps around her neck. The veil symbolizes her adherence to humility and religious norms. A closer look at the veil reveals how very expensive this accessory was: tiny pearls trim its outer edges and line the main body.

Portrait of a woman may be a marriage portrait. The sitter’s hands are dotted with six rings, which were exchanged during Renaissance engagement and wedding ceremonies. Her pinned-up hair also possibly attests to her wedded status, as young Italian women only wore their hair down to announce marital availability. Further, the pearls she wears on both her necklace and headdress may also be read as potent symbols of sexual purity. Across Western Europe, young women wore pearls to broadcast their virginity, considered the most desirable trait in marriage negotiations. Her white, stippled belt may be a further marker of chastity. Belts were closely associated with marriage, sexual virtue, and pregnancy, and were commonly given as gifts from groom to bride, such as this example in the Metropolitan Art Museum’s collection (Fig. 6), which bears a love poem stitched in precious metal. Women were expected to be unflinchingly loyal to their husbands. While men often waited until mid-life to marry (so that they had time to grow their estate or business beforehand), marriage age for Renaissance women was late adolescence or early adulthood, with the optimal ages for best childbearing potential falling between fifteen and nineteen. If an upper-class woman was fortunate enough to have her portrait made, it was likely in celebration of her engagement or wedding. Lippi’s sitter, then, is likely a teenager.

This woman is performing Renaissance decorum, from her gaze to the position of her hands. Not only is her gaze pointed outside the frame, her eyes are also half-lidded. Downcast or avert eyes were a sign of feminine modesty. Lippi’s sitter clasps one hand to her sleeve and the other lightly strokes her collar. A popular handbook for upper-class maidens, the Décor Puellarum (printed in Venice in 1469) urged young ladies:

“not to touch yourself, nor others, nor any part of the body with your hands, except when absolutely necessary. Your right hand must always rest upon your left, in front of you, on the level of your girdle.”

It was socially safer for women to touch clothing or accessories rather than allow their hands to wheel through open air, or make contact with their own bare skin. Notice also how the woman is painted obviously inside, as the public sphere was generally reserved for men. Again, the words unfurling across the banner in Ginevra de’Benci, “beauty adorns virtue” may be easily applied to this sitter.

Sixteenth-century women’s dress

W omen’s clothing in the sixteenth century remained similarly structured, with several layers beneath a sumptuous principle gown. However, a wider range of textures and additional detailing became fashionable. The Palazzo Reale in Pisa owns a rare, fully-intact Italian dress (Fig. 7) from the late sixteenth century, tailored circa 1550-60. This incredible survival gives a unique glimpse into changes to women’s dress in the sixteenth century. A tight, pointed bodice laces up the sides. Tassels accentuate the bodice and would have jangled as the wearer moved, adding to the gown’s lived intensity. The slits in the sleeves show off the underwear, usually made of silk or fine cotton, yet another hint that the wearer enjoys high status. Luscious red velvet panels are lined with embroidered trim. This dress is lavish in its sheer amount of fabric. The skirting extends in a bell towards the ground, and boasts a long train, heightening the public spectacle as the wearer walked through open streets. Typical Renaissance gowns covered the wearer from waist to feet, and were so long she was forced to carry her skirts to walk unhindered. Red-dyed fabrics have a long historical pedigree of association with wealth. A hue of such high saturation required the slaying of innumerable New World cochineal insects, whose bodies were crushed for textile dyes (Monnas 157).

Fig. 7 - Maker unknown. Gown, ca. 1550-60. Pisa: Museo di Palazzo Reale. Fonte: Pinterest

Tightly-laced corsets entered into popular fashion in the mid-to-late sixteenth century. The introduction of the steel corset into European female undergarments is apocryphally attributed to Catherine de’Medici in 1579 (Steele 2-7). According to a popular legend, the fertile Queen consort, who was with child nine times during her marriage to Henry II of France, desired a wearable instrument to shore up the contours of her postpartum figure. However, paintings tell us body-shaping implements were introduced earlier. Notice how stiff Eleonora of Toledo’s bodice is in Bronzino’s iconic portrait of the Spanish noblewoman (Fig. 8). Expensive accessories also grew more lavish in this era. Eleonora wears a snood (a hairnet) and a bavero (shoulder covering), both made of cloth-of-gold and decorated with pearls.

Fig. 8 - Bronzino (Italian, 1503-1572). Portrait of Eleanor of Toledo with her son Giovanni de' Medici, 1544-45. Oil on panel 115 x 96 cm (45.3 x 37.8 in). Florence: Uffizi. Source: Wikimedia

Fig. 9 - Lavinia Fontana (Italian, 1552–1614). Portrait of a Noblewoman, ca. 1580. Oil on canvas 45 1/4 x 35 1/4 in cm. Washington: National Museum of Women in the Arts. Gift of Wallace and Wilhelmina Holladay. Source: NMWA

Lavinia Fontana’s Portrait of a noblewoman (1580) showcases sixteenth-century Bolognese fashion (Fig. 9). A high collar and stiff, starched ruff surround the sitter’s face. A jeweled headband crowns her head. Her dress may be a wedding dress, as burgundy was a popular color for brides. This woman is careful to respect period sumptuary laws (civil restrictions on what could and could not be worn in public) women were only allowed to wear multiple necklaces if one hosted a cross (Murphy 96).

A small dog perches on her skirt beneath her caress. This animal is yet another signal to the viewer that this woman is extremely wealthy. Upper-class women often kept little dogs as luxury pets, as they were too small for hunting and thus only useful as companions and living accessories. The dog itself wears a gemstone collar. The creature is also symbolic of marital fidelity, as the animals were considered naturally loyal. The need to preserve a woman’s chastity was still tantamount throughout sixteenth-century portraiture.

It is possible the bejeweled martin head hanging from her belt (a popular accessory for women in the period) symbolizes pregnancy or the promise of future pregnancy (Musacchio 172). The head swings directly below her womb. Martins and weasels (a Renaissance person would not have made a distinction between species) were thought to reproduce rapidly, and so this fashionable accessory may double as a quasi-magical token used to generate future progeny. Ermines were also symbols of purity.

Clothing and jewelry, however, are the true subject of Portrait of a noblewoman. Every facet of every jewel, every stitch of the gown is rendered with high accuracy. Caroline Murphy argues that the extensive detail paid to the elaborate gowns and jewels of Bolognese noblewomen by Lavinia Fontana act as painted dowry inventories (Murphy 88). A dowry was a case of luxury items and cash a bride’s father exchanged with her groom. Upper-class Renaissance women did not work, but social norms required she wear ostentatious clothing in public. Clothing a wife was expensive, so families would often off-set the cost by providing the young bride with a set of clothing and jewelry to start her new, married life. In early modern Italy, it was possible for a woman to regain her dowry after her husband’s death, the first time in her life that she had access to its wealth. Paintings like this, therefore, may be so meticulously and precisely rendered to prove what made up the dowry, should its contents ever be called into question (Murphy 88).

Together, these images explain how fashion was bound up with beauty and social expectations for women. Female portraiture depicts not specific individuals, but rather their lavish clothing and jewelry. Women were meant to be decorous and decorative. Virtue, familial expectation, and attractiveness were deeply conflated. Leon Battista Alberti states in Della Famiglia, a treatise on living well (began 1432), that what makes a woman beautiful is potential fertility:

“Thus I believe that beauty in a woman can be judged not only in the charms and refinement of the face, but even more in the strength and shapeliness of a body apt to carry and give birth to many beautiful children.” (122)

In the very next line Alberti adds that “the first prerequisite of beauty in a woman is good habits” (Ibid). Alberti would have agreed with the mantra: “Beauty adorns virtue.”


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